Alfred Hitchcock. Biografia.

Alfred Hitchcock (Leytonstone, Londres, 13 de agosto de 1899 - Bel Air, Los Ángeles, 29 de abril de 1980) fue un director de cine británico.



Fue criado en una familia de clase media. Sus padres, William (1862 - 1914) y Emma (1863 - 1942), eran tenderos de una estricta educación católica y sus hermanos (William y Eileen) eran mayores que él. Su estricta educación, unida a su aspecto algo grueso, hizo que el pequeño Alfred fuera un niño tímido y apocado, elementos de su personalidad que lo acompañarían durante toda su vida. Hitchcock fue enviado al Saint Ignatius College, Londres, pero debido a la muerte de su padre tuvo que abandonar el colegio en 1915 para comenzar a trabajar en la Compañía telegráfica Henley. Hitchcock siempre fue un ávido admirador de Charles Dickens y Edgar Allan Poe y un amante del cine, especialmente tras haber visto "El nacimiento de una nación" de David Wark Griffith.
[editar] Entrada en el mundo del cine

En 1920 se dedicaba a hacer los rótulos de varias películas de cine mudo en la Famous Players Lasky. Este trabajo ocasional provocó que, poco a poco, el joven Hitchcock comenzara a apasionarse por el mundo del cine. Es así como empezó a trabajar como montador, director artístico y guionista en películas de directores como Donald Crisp y Hugh Ford. En la Famous Players Lasky conoció a Alma Reville, que trabajaba como montadora, y con la que se casaría en 1926. Alma fue ayudante de dirección y guionista de varias películas de su marido. El 7 de julio de 1928 nació su hija Patricia, que participaría como actriz en Extraños en un tren y en Psicosis.

En el lado profesional, Hitchcock estuvo tres años trabajando como ayudante de dirección de Graham Cutts. En 1923, se le encargó el rodaje del corto Number 13 aunque la producción se detuvo y la película quedó inacabada. De todas maneras, la posibilidad de acabar un largometraje apareció poco después, ya que dirigió en Múnich, en 1925, su primera película completamente acabada: El jardín de la alegría, una coproducción germano-británica que se haría muy popular. Poco después, el realizador londinense dirigió la primera película de cine sonoro de Inglaterra: Blackmail, en 1929. Durante el rodaje, recibió la visita sorpresiva de Isabel Bowes-Lyon, duquesa de York, quien sería la madre de la actual monarca.

Con pocos trabajos, Hitchcock se convirtió en el icono genial de una industria bastante discreta como era la británica. Películas como ¡Asesinato! (Murder!, 1930), El hombre que sabía demasiado (The Man Who Knew Too Much, 1934) y especialmente 39 escalones (The 39 Steps, 1935) lo convirtieron en todo un emblema internacional del nuevo cine británico. Anecdóticamente, era famoso por su costumbre de gastar bromas pesadas, especialmente con los actores.

El 22 de agosto de 1937 visitó con su familia Nueva York para entrevistarse con David O. Selznick, productor de Lo que el viento se llevó, quien lo contrató el 14 de julio de 1938. Las condiciones del productor convencieron a Hitchcock y se trasladó junto a su familia a Estados Unidos en 1939.

El primer trabajo que Selznick encargó a Hitchcock fue la adaptación de la novela de Daphne du Maurier Rebeca (1940). Este melodrama gótico explora los miedos de una ilusionada y joven esposa (Joan Fontaine), que se traslada a Gran Bretaña y debe luchar con un marido distante (Sir Laurence Olivier), un ama de llaves demasiado posesiva (Judith Anderson) y la memoria de la fallecida primera esposa de su marido: la bella y misteriosa Rebeca. El film obtuvo once nominaciones al premio Oscar. Pero John Ford se llevó ese año el premio al mejor director por Las uvas de la ira, arrebatándoselo al británico, que jamás ganaría una estatuilla, salvo el premio en memoria de Irving Thalberg, de carácter honorífico. Aparte de esto, empezaron a surgir los primeros problemas entre Selznick y Hitchcock. Y es que el director británico no podía soportar las restricciones fílmicas y artísticas del productor.

La segunda película americana de Hitchcock volvería a estar centrada en Europa. Foreign Correspondent también fue nominada a mejor película. El film fue rodado en el primer año de la Segunda Guerra Mundial y estaba inspirada en los rápidos cambios que experimentaba Europa en esos momentos, descritos por el corresponsal de un diario norteamericano, Joel McCrea. El film mezcló decorados construidos en Hollywood con escenas de la Europa real. Conforme a la censura del Código de Producción de Hollywood, la película evitó referencias directas a Alemania y a los alemanes.

A partir de este momento y durante las tres décadas siguientes, dirigió películas en Hollywood a razón de una por año, reservándose en todas ellas una breve aparición (cameo), siempre sin diálogo. Estas breves apariciones se convirtieron en la firma particular que Hitchcock introducía en todas su películas. Paulatinamente, fue situando dichas apariciones cada vez más próximas al inicio de la película, porque, tal como le contó a François Truffaut, el público sabía que dicha aparición se produciría y esto causaba un efecto de distracción con respecto al desarrollo del film.

Posteriormente llegaría "Sospecha" (1941), protagonizada por Cary Grant, con quien mantuvo una gran amistad. Alfred Hitchcock siempre procuraba escoger para sus películas actores y actrices ya conocidos por alguna faceta, ya fuera la de la sensualidad, la simpatía o la seducción, pensando que así el papel quedaba más fácilmente definido desde el principio. Otro de sus grandes actores fetiche sería James Stewart, con quien coincidió por primera vez en La soga en 1948.

El 26 de septiembre de 1942 murió en Londres su madre a la edad de 79 años. Además, al año siguiente, falleció también su hermano William.

En 1944 creó su propia productora junto con Sidney Berstein: la Transatlantic Pictures. Ese mismo año, comenzó a trabajar con Ingrid Bergman, la primera rubia "hitchcockiana", por la que sentía fascinación. Rodó Encadenados (1946), protagonizada con Cary Grant. Según el propio Hitchcock refirió en una entrevista, prefería protagonistas rubias porque las consideraba más misteriosas.

Junto con Ingrid Bergman y Gregory Peck rueda Recuerda, una película sobre el psicoanálisis, cuyo detalle más importante es la colaboración de Salvador Dalí, que diseñó y elaboró los decorados de la escena del sueño.

En 1948, Bergman deja de actuar con Hitchcock para trabajar con el también director Roberto Rossellini. Eso fue un gran golpe para Hitchcock, pero no tardó en recobrar su confianza conociendo a la que convertiría en su nueva musa, Grace Kelly, a la que dirigió en La ventana indiscreta (1954), coprotagonizada por James Stewart, Crimen perfecto (1954), con Ray Milland, y Atrapa a un ladrón (1955), con Cary Grant.

Según el director, la película de su cosecha que más apreciaba era Falso culpable (conocida también como El hombre equivocado) (1957), protagonizada por Henry Fonda y Vera Miles.

Surgió un nuevo proyecto televisivo. Alfred Hitchcock Presents, una serie en la cual presentaba él mismo unas historias cortas en la línea de sus películas. No obstante, la boda de su "musa" con el príncipe Rainiero III de Mónaco y su retirada del cine, hicieron que su salud empeorase momentáneamente.
Escena de la película "Corresponsal extranjero" (1940).

En 1958 recibió varios premios: el Globo de Oro a la mejor serie de televisión y la Concha de Plata en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián por "Vértigo (De entre los muertos)" (1958) protagonizada por James Stewart y Kim Novak. Por desgracia, ese mismo año le diagnosticaron un cáncer a su mujer, lo que le afectó profundamente.

En 1959 rodó North by Northwest (Con la muerte en los talones), protagonizada por Cary Grant y Eva Marie Saint. La imagen de Cary Grant huyendo de una avioneta por los campos es ya una imagen inolvidable para los cinéfilos. Es considerada una de sus mejores películas.

En 1960 dirigió Psicosis, protagonizada por Anthony Perkins y Janet Leigh. Fue uno de los mayores éxitos de su carrera. La película contiene una de las escenas más impactantes de la historia del séptimo arte: el asesinato de su protagonista, Janet Leigh, en la ducha, a mitad de la película.

En 1963 filmó Los pájaros, protagonizada por Tippi Hedren y Rod Taylor. Su protagonista se convirtió en la nueva musa rubia, con la que mantuvo una actitud muy posesiva y junto con la que más tarde rodaría Marnie la ladrona (1964, protagonizada junto a Sean Connery). Es en este film, en su relación con Tippi Hedren en que se revela un rasgo de la personalidad posesiva y manipuladora de Hitchcock; estableció casi siempre presiones maliciosas y una posesividad fuerte, presiones que había ejercido sobre otras actrices que eran de su agrado, como Grace Kelly.

Entre 1966 y 1969 las críticas se volvieron en su contra. Cortina rasgada, con Paul Newman y Julie Andrews, y Topaz, con Frederick Stafford y Claude Jade, no tuvieron apenas éxito. Se decía que se esperaba un cambio de estilo. El propio Hitchcock lo buscaba, como prueban las imágenes encontradas en Frenesí (1972), protagonizada por Jon Finch, donde encontramos técnicas cinematográficas, desnudos y secuencias de una actualidad sorprendente. Pero el proyecto resultaba tan revolucionario como arriesgado y eso podía suponer la caída definitiva de Hitchcock como director. Así que los estudios Universal Pictures le denegaron el proyecto.
Alfred Hitchcock.

En 1968 recibió un Óscar Honorífico, el premio en memoria de Irving Thalberg a toda su carrera, en la ceremonia de los Premios de la Academia. Aunque nunca recibió un Óscar competitivo, siempre se le ha considerado como el maestro del suspenso.

En 1972 confesó a Luis Buñuel, en una cena que celebraba George Cukor en su casa en honor a él por haber recibido un Oscar por su película El discreto encanto de la burguesía, ser un gran admirador suyo, recibiéndole con los brazos extendidos y diciendo "el mejor y más modesto de todos nosotros".

Recibió un homenaje en Nueva York por la Sociedad Cinematográfica del Lincoln Center, acudiendo con Grace Kelly a la ceremonia. Cuatro años más tarde, J. Russel Taylor publicaba la primera biografía autorizada de Alfred Hitchcock.

En 1976 dirigió La trama, protagonizada por Karen Black y Bruce Dern.

En 1979, el American Film Institute le otorgó el premio a la labor de toda una vida. Ese mismo año, la reina Isabel II del Reino Unido le concedió el título de Sir.

Un año más tarde, el 29 de abril de 1980, falleció en su casa de Los Ángeles a los 80 años de edad.

Filmografía

1922 - Number 13 (Número 13), inacabada y recientemente encontrada
1925 - The Pleasure Garden (El jardín de la alegría)
1926 - The Mountain Eagle (El águila de la montaña)
1927 - The Lodger / A story of the London Fog (El enemigo de las rubias)
1927 - The Ring (El ring)
1927 - Downhill
1927 - Easy Virtue (Dudosa virtud)
1928 - Champagne
1928 - The Farmer's Wife (La esposa del granjero)
1929 - The Manxman
1929 - Blackmail (Chantaje / La muchacha de Londres)
1930 - Elstree Calling (Elstree llama)
1930 - Juno and the Paycock
1930 - Murder! (Asesinato)
1931 - Mary
1931 - Rich and Strange (Ricos y extraños / Lo mejor es lo malo conocido)
1931 - The Skin Game (Juego sucio)
1932 - Number Seventeen (Número diecisiete)
1933 - Waltzes from Vienna (Valses de Viena)
1934 - The Man Who Knew Too Much (El hombre que sabía demasiado)
1935 - The 39 Steps (39 escalones)
1936 - Sabotage (Sabotaje)
1936 - Secret Agent (Agente secreto / El agente secreto),
1937 - Young and Innocent (Inocencia y juventud)
1938 - The Lady Vanishes (Alarma en el expreso / La dama desaparece)
1939 - Jamaica Inn (La posada de Jamaica / La posada maldita)
1940 - Rebecca (Rebeca / Rebeca, una mujer inolvidable)
1940 - Foreign Correspondent (Enviado especial / Corresponsal extranjero)
1941 - Mr. and Mrs. Smith (Matrimonio original / Su amado enemigo)
1941 - Suspicion (Sospecha /La sospecha)
1942 - Saboteur (Sabotaje / Saboteador),
1943 - Shadow of a Doubt (La sombra de una duda)
1944 - Lifeboat (Náufragos / 8 a la deriva)
1945 - Spellbound (Recuerda / Cuéntame tu vida)
1946 - Notorious (Encadenados / Tuyo es mi corazón)
1947 - The Paradine Case (El proceso Paradine / Agonía de amor)
1948 - Rope (La soga / Festín diabólico)
1949 - Under Capricorn (Bajo el signo de Capricornio, Atormentada)
1950 - Stage Fright (Pánico en la escena)
1951 - Strangers on a Train (Extraños en un tren / Pacto siniestro)
1953 - I Confess (Yo confieso / Mi secreto me condena / Mi pecado me condena)
1954 - Dial M for a Murder (Crimen perfecto)
1954 - Rear Window (La ventana indiscreta)
1955 - To Catch a Thief (Atrapa a un ladrón / Para atrapar al ladrón)
1955 - The Trouble with Harry (Pero... ¿quién mató a Harry? / El tercer tiro)
1956 - The Man Who Knew Too Much (El hombre que sabía demasiado)
1956 - The Wrong Man (Falso culpable / El hombre equivocado)
1958 - Vertigo (Vértigo / De entre los muertos)
1959 - North by Northwest (Con la muerte en los talones / Intriga internacional)
1960 - Psicosis
1963 - The Birds (Los pájaros)
1964 - Marnie (Marnie la ladrona / Marnie)
1966 - Torn Curtain (Cortina rasgada)
1969 - Topaz
1972 - Frenzy (Frenesí)
1976 - Family Plot (La trama / Trama macabra)

Biografia de François Truffaut.

François Truffaut (París, 6 de febrero de 1932 - 21 de octubre de 1984) fue un director, crítico y actor francés. Fue uno de los iniciadores del movimiento llamado la Nouvelle vague.

Biografia.

Recocido en el registro civil como hijo por Roland Truffaut, arquitecto y decorador, nunca llegará a conocer a su verdadero padre. Su madre era Jeanine de Montferrand, secretaria en el periódico L'Illustration. François Truffaut estudia en la escuela de la rue Clauzel y en el liceo Rollin, aunque nunca fue un alumno ejemplar. A partir de 1939, el joven François Truffaut, lector apasionado, también se pasa la vida en el cine, a veces durante las horas en las que debería estar en clase. Desde 1946, una vez deja sus estudios, sobrevive con pequeños trabajos, funda un cine-club en 1947, y algunos hurtos hacen que sea enviado a un correccional.

Gracias al crítico de cine André Bazin, François Truffaut empieza a trabajar en Travail et Culture. Escribe sus primeros artículos desde 1950. Tras alistarse en el ejército, se le envía a Alemania, pero deserta y pasa por la prisión militar. François Truffaut publica críticas en los Cahiers du cinéma en 1953, y dirige al año siguiente su primer cortometraje. En 1956 es ayudante de dirección de Roberto Rossellini. Se casa en 1957 con Madeleine Morgenstern, hija de un distribuidor. Ese mismo año dirige Les Mistons ("Los golfillos"). En 1958, rueda Los cuatrocientos golpes, que tendrá un éxito espectacular, y servirá de carta de presentación al mundo del movimiento de la Nouvelle vague, que lidera junto a Chabrol, Rohmer, etc.

Dirigirá películas hasta su muerte, el 21 de octubre de 1984 en Neuilly-sur-Seine debido a un tumor cerebral. Está enterrado en el cementerio de Montmartre en París.

Hay que destacar que François Truffaut aparece como actor en varias de sus películas: La habitación verde, La noche americana, El pequeño salvaje y también en la película de Steven Spielberg, admirador de Truffaut, Encuentros en la tercera fase/Encuentros cercanos del tercer tipo en 1977, en la que interpreta el papel del sabio francés "Claude Lacombe".

Obra
Entre las muchas películas de Truffaut, podemos destacar la serie en la que aparece el personaje de Antoine Doinel, interpretado por el actor Jean-Pierre Léaud, que inicia con 14 años su carrera de actor en Los cuatrocientos golpes, y será el actor-fetiche y alter-ego del propio Truffaut. Esta serie seguirá hasta El amor en fuga, y pasando por un episodio de El amor a los 20 años, Besos robados y Domicilio conyugal junto a Claude Jade en el papel de Christine, amiga y mujer de Doinel. La hija de Truffaut, Eva Truffaut seguía en 2004 buscando las últimas escenas de su padre y ha producido un serial radiofónico El diario de Alphonse, en donde aparecen Christine Doinel (Claude Jade) y su hijo Alphonse (Stanislas Merhar).

El resto de la películas de Truffaut surge de guiones originales, a menudo en colaboración con Suzanne Schiffman o Jean Gruault, y son películas de temas muy diversos, que van desde Diario íntimo de Adèle H., basada en la vida de la hija de Víctor Hugo, con Isabelle Adjani, o La noche americana, un auténtico homenaje al cine, que fue premiado en la ceremonia de los Óscar de Hollywood con el Óscar a la mejor película de habla no inglesa en 1973), y también El último metro, película que se desarrolla durante la ocupación alemana de Francia, película que ganó diez Premios César concedidos por la Academia del Cine Francés. Es autor, de un libro de entrevistas a Alfred Hitchcock: El cine según Hitchcock. En España, a mediados de los años 70, apareció un libro sobre el guión de su célebre film "La piel suave" firmado por él mismo.

Los inicios del movimiento cinematográfico y del propio realizador son una crítica al academicismo y a los convencionalismos del cine francés hasta mediados de los años 50, a los que acusaban de ser caducos reflejos del arte de narrar visualmente una historia, un sentimiento, etc. Ellos creían que el cine tenia que renovarse enfocando cada historia, personaje o situación desde una perspectiva mas cercana, humana y, dentro de lo posible, real. Es por ello que muchos de estos jóvenes teóricos cinematográficos reconvertidos en directores se adhieren al género documental en sus primeras realizaciones, tomando incluso elementos del entonces en declive neorrealismo italiano, del realismo francés de los años 30 de Jean Vigò, Renoir o Carné, además del cine experimental y de vanguardia de los años 20. Tras debutar en el largometraje, estos directores rápidamente entendieron que el nuevo movimiento (al igual que ocurrirá con el free cinema británico o el "nuevo cine" alemán), tenia unas claras limitaciones en cuanto a estructuras narrativo-visuales, y que al intentar salir de la independencia artística e integrar sus motivos conceptuales en un cine más comercial y con mejores medios a raíz del éxito comercial de sus primeras cintas, el estilo se diluía desde su propia base y era percibido por crítica y público como un cine igual de clásico que el de la etapa anterior. El propio truffaut comienza siendo renovador, ambicioso, rupturista en su estilo (desde "Jules y Jim" hasta "Domicilio conyugal") para reciclarse en un autor lúcido y brillante pero de un clasicismo formal tan descollante como insospechado (desde "Las dos inglesas y el amor" hasta su último film).

Otra de las caracterísitcas de Truffaut es su preocupación por la infancia (desde su primer largo "Los cuatrocientos golpes", documento que radiografía la realidad contemporánea francesa tras la 2ª Guerra Mundial, pasando por la revisión de las teorías de Rousseau en "El pequeño salvaje", hasta la sensibilidad que demuestra en la visión que un adulto puede llegar a tener de los niños y su mundo acometida en "La piel dura")

Filmografia como Director.

* 1955 : Une visite
* 1957 : Les mistons (Los Golfillos)
* 1959 : Les Quatre Cents Coups (Los 400 golpes)
* 1960 : Tirez sur le pianiste (Disparen sobre el pianista / Tirad sobre el pianista).
* 1961 : Une histoire d'eau codirigida con Jean-Luc Godard
* 1961 : Tire au flanc
* 1962 : L'Amour à vingt ans (El amor a los veinte años) (1962) (Episodio "Antoine et Colette")
* 1962 : Jules et Jim (Jules y Jim)
* 1964 : La Peau douce (La piel suave)
* 1966 : Fahrenheit 451
* 1968 : La mariée était en noir (La Novia vestida de Negro)
* 1968 : Baisers volés (Besos robados)
* 1969 : La Sirène du Mississippi (La sirena del Mississippi)
* 1969 : L'Enfant sauvage (El pequeño salvaje)
* 1970 : Domicile conjugal (Domicilio conyugal)
* 1971 : Les deux anglaises et le continent (Las dos inglesas y el amor)
* 1972 : Une belle fille comme moi (Una chica tan decente como yo)
* 1973 : La Nuit américaine (La noche americana)
* 1975 : L'Histoire d'Adèle H. (Diario íntimo de Adèle H.)
* 1976 : L'Argent de poche (La piel dura)
* 1977 : L'Homme qui aimait les femmes (El amante del amor o El hombre que amaba a las mujeres)
* 1978 : La Chambre verte (La habitación verde)
* 1979 : L'Amour en fuite (El amor en fuga)
* 1980 : Le Dernier Métro (El último metro) César a la mejor película y mejor director
* 1981 : La Femme d'à côté (La mujer de la puerta de al lado / La mujer de al lado)
* 1983 : Vivement dimanche! (Confidencialmente tuya / Vivamente el domingo)


Libros.
* 1966 : El cine según Hitchcock
* 1975 : Las películas de mi vida
* 1987 : El placer de la mirada

Biografia de Ron Howard.

Nacido en una familia ligada a la interpretación, Ron Howard fue un actor precoz. Debutó en el teatro a los dos años de edad, y con cinco ya actuaba para la gran pantalla. Tras participar en varias producciones de cine y televisión durante su infancia y adolescencia, su primer gran papel llegó en 1973 con American Graffiti. Y aunque todavía siguió trabajando como actor varios años más, pronto se inclinó por la dirección.

Siendo todavía adolescente Howard empezó a rodar películas caseras con una cámara de Super-8. Una vez acabado el instituto comenzó un curso de cine en la universidad pero pronto lo dejó. Pensó que aprendería más de su propia experiencia como actor y en 1977 dirigió Loca escapada a Las Vegas, su primer largometraje, del que además fue guionista y actor. Aunque la película dio a conocer a Howard, el film que lo lanzó definitivamente fue Un, dos, tres... splash, protagonizado por un todavía desconocido Tom Hanks.

A partir de ahí la trayectoria de Howard está repleta de filmes bien construidos. Películas que tratan de entretener explorando diferentes géneros. Así lo demuestra su filmografía: tiene desde cintas de ciencia ficción como Cocoon, a filmes de fantasía como Willow, superproducciones de acción como Apolo 13, comedias como EdTV... o historias tan dramáticas como Una mente maravillosa. Precisamente esta última le supuso a Ron Howard su primer Oscar como mejor director.


Carrera como actor.
Howard se dió a conocer por interpretar a Winthrop Paroo, en la versión cinematográfica de The Music Man con Robert Preston y Shirley Jones. Después de este proyecto, participó como Opie Taylor en la serie de televisión The Andy Griffith Show, que fue el exitoso spin-off de The Danny Thomas Show, donde era acreditado como Ronny Howard. También apareció en el film The Courtship of Eddie's Father con Glenn Ford.

Además hizo una participación notable en la popular serie M*A*S*H, interpretando a un marino en la guerra de Corea.

Howard es conocido por su papel de Richie Cunningham en la serie Happy Days. Al mismo tiempo participó en la película de George Lucas, American Graffiti, interpretando a Steve Bollander. En 1977, dirigió su primer film, Grand Theft Auto.


Carrera como director.
Despues de dejar Happy Days en 1980, dirigió varias series de televisión. El salto a director de cine ocurrió en 1982 cuando dirigió el exitoso film Night Shift, con Michael Keaton y Shelley Long y el co-protagonista de Happy Days, Henry Winkler.

Ha dirigido muchos filmes de renombre, como Splash, Willow, Cocoon, Apolo 13 (nominada a varios Premios de la Academia), Una mente maravillosa, por la cual ganó el Oscar por Mejor Director, y Cinderella Man. Su último film fue la adaptación cinematográfica de El Código Da Vinci, película de gran polémica cultural y religiosa, la cual fue protagonizada por Tom Hanks, protagonista de otras películas de Howard. Se espera la adaptación de la protosecuela de El Código Da Vinci, Ángeles y Demonios, cuyo estreno está previsto para 2009.

Filmografia
Changeling (2008) Producción
Jorge el curioso (2006) Producción
El Código Da Vinci (2006) Director
Cinderella Man, El hombre que no se dejó tumbar (2005) Producción, Director
Desapariciones (2004) Director
Una mente maravillosa (2002) Producción, Director
D-Tox (Ojo asesino) (2002) Producción
El Grinch (2000) Producción, Director
EDTV (1999) Director
Rescate (1996) Director
Apolo 13 (1995) Director
The Paper (Detrás de la noticia) (1994) Director
Un horizonte muy lejano (1992) Guionista, Director
Llamaradas (1991) Director
Dulce hogar, a veces (1989) Guionista, Director
Willow (1988) Director
Cocoon (1985) Director
Un, dos, tres...Splash (1984) Director
El último pistolero (1976) actor
Tres forajidos y un pistolero (1974) actor
American Graffiti (1973) actor
El noviazgo del padre de Eddie (1963) actor
Vivir de ilusión (1962) actor
Sin pistas ,actor
Turno de noche ,Director.

Biografia de George Lucas.

George Walton Lucas (14 de mayo de 1944 en Modesto, California, Estados Unidos) es un cineasta estadounidense, creador de la exitosa saga fílmica de Star Wars y posteriormente de Indiana Jones, presidente de Lucasfilm Ltd, LucasArts Entertainment Company, y Lucas Digital Ltd, Lucas Licensing, LucasBooks y Lucas Learning Ltd.

Obra
Lucas dirigió su primera obra cinematográfica, THX 1138, en 1970. La película fue producida por el estudio American Zoetrope fundado por Francis Ford Coppola, quien fue su productor ejecutivo. La película estaba basada en un cortometraje del propio Lucas ganador de numerosos premios a nivel estatal. A partir del exito financiero de American Graffitti y Star Wars, Lucas logró comenzar su propio estudio, Lucasfilm Ltd, en el Condado de Marin en San Rafael, California. Skywalker Sound e Industrial Light & Magic, las subdivisiones de efectos de sonido y de efectos visuales de Lucasfilm, respectivamente, se han convertido entre unas de las más respetadas firmas en sus áreas. Lucasfilms Games, despues renombrada LucasArts, es altamente reconocida dentro de la industria de los video juegos.

En 1973 Lucas dirigió American Graffiti, un film sobre autos y jóvenes. La película ganó el Globo de Oro, el New York Film Critics y el premio de la National Society of Film Critics. Obtuvo también 5 nominaciones al Oscar.

Cuatro años después, Lucas escribió y dirigió "La Guerra de las Galaxias" (posteriormente rebautizada como Episodio IV: Una Nueva Esperanza), una película que rompió todos los récords de taquilla y ganó siete Oscar de la academia. Lucas inició la historia de "El Imperio Contraataca" (Episodio V) y "El retorno del jedi" (Episodio VI), de las cuales fue productor ejecutivo dejando las tareas de dirección a Irvin Kershner en "El Imperio Contraataca" y a Richard Marquand en "Return of the Jedi". En 1980 escribió y produjo "En busca del Arca Perdida" dirigida por Steven Spielberg obteniendo 5 premios de la academia. También fue co-productor y creador de la historia de "Indiana Jones y el Templo Maldito", estrenada en 1984, nominada a 2 premios de la Academia y obteniendo un Oscar por efectos especiales.

El último proyecto de Lucasfilm fue terminar la nueva trilogía de "La Guerra de las Galaxias". "La Amenaza Fantasma" (Episodio I), de la nueva trilogía fue escrita, dirigida y producida por George Lucas y salió al público el 19 de mayo de 1999. En mayo del 2002 se estrenó la segunda parte, "El Ataque de los Clones" (Episodio II), también dirigida y producida por él. El capítulo final de la nueva trilogía de "La Guerra de las Galaxias", "La venganza de los Sith" (Episodio III), que abre las puertas a la Trilogía clásica, se estrenó el 19 de mayo de 2005, quedando la saga finalizada.


Filmografía
THX-1138 (1971): Director y guionista.
American Graffiti (1973): Director, guionista.
Star Wars episodio IV: Una nueva esperanza (1977): Director, guionista, productor ejecutivo.
Star Wars episodio V: El Imperio contraataca (1980): Productor ejecutivo, guionista.
En busca del arca perdida (1981): Productor ejecutivo, guionista.
Star Wars Episode VI: Return of the Jedi (1983): Productor ejecutivo, guionista.
Indiana Jones y el templo maldito (1984): Productor ejecutivo y guionista.
Indiana Jones y la última cruzada (1989): Productor ejecutivo.
Parque Jurásico (1993):Sus compañías ILM (Industrial Light and Magic) y Skywalker Sound Ltd crearon los efectos visuales y sonoros de la pelicula.
El mundo perdido: Parque Jurásico II (1997): ILM y Skywalker Sound se encargan de los efectos visuales y sonoros.
Star Wars episodio I: La amenaza fantasma (1999): Director, productor ejecutivo, guionista.
Parque Jurásico III (2001): ILM y Skywalker Sound se encargan de los efectos visuales y sonoros.
Star Wars episodio II: El ataque de los clones (2002): Director, productor ejecutivo, guionista.
Star Wars episodio III: La venganza de los Sith (2005): Director, productor ejecutivo y guionista.
Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal (2008):Productor Ejecutivo y guionista.


Curiosidades
George Lucas en persona hizo una aparición en la última película de Star Wars, Star Wars Episodio III: La Venganza de los Sith interpretando a un personaje extra llamado Baron Papanoida. Además está elaborando dos series de television para el 2008una de ellas la continuación de Las Guerras Clones y la otra basada en los hechos acontecidos entre los episodios III y IV de Star Wars.

Cuando comenzó la prepoducción de El retorno del Jedi, se le dio el nombre falso de Cosecha Azul(Blue Harvest) para despistar a los fanáticos y a la industria en general.

Biografia de Brian de Palma.

Brian Russell De Palma (n. Newark, Nueva Jersey, Estados Unidos, 11 de septiembre de 1940) es un director de cine y guionista estadounidense.

Biografía
Nació el 11 de septiembre de 1940 en Newark, Nueva Jersey. Hijo de un cirujano, desde muy temprana edad se interesó sobre todo por las ciencias y la técnica; en dos ocasiones ganó la "National Science Fair Competition" (Concurso Nacional de Ciencias).

Mientras estudiaba la carrera de Física, descubrió su pasión por el séptimo arte, interesándose especialmente por el trabajo de Alfred Hitchcock, Roman Polanski y Jean-Luc Godard. De 1962 a 1964 estudió Arte dramático en el Sarah Lawrence College de Nueva York y dirigió varios cortometrajes.

Hacia finales de los setenta ayudó como favor a George Lucas en el casting de Star Wars. También ayudó a redactar el texto que aparece en la primera escena de esta película.

Después de siete producciones independientes, salta a la fama con la película Sisters (1973) y usa por primera vez el estilo vouyerista que después será, junto con las pantallas divididas, una característica en su estilo. Después de Misión a Marte,y tras una serie de problemas con la industria estadounidense, se traslada a Francia, donde reside, y encuentra una serie de productores, con los que consigue filmar Femme Fatale. Esta película, a pesar de recibir criticas negativas, es considerada por criticos de renombre como Roger Ebert como una excelente película. Unos años más tarde, se reencuentra con el productor, Art Linson, y regresa a los Estados Unidos para dirigir La Dalia Negra.


Filmografía
2008: The Untouchables: Capone Rising
2007: Redacted (Redactado)
2006: The Black Dahlia (La Dalia Negra)
2002: Femme Fatale
2000: Mission to Mars (Misión a Marte)
1998: Snake eyes (Ojos de Serpiente)
1996: Mission: Impossible (Misión: Imposible)
1993: Carlito's Way (Atrapado por su pasado / Carlito's Way / Caracortada 2)
1992: Rasing Caín (Demente / En nombre de Caín)
1990: The Bonfire of the Vanities (La hoguera de las vanidades)
1989: Casualties of War (Pecados De Guerra / Corazones de hierro)
1988: The Untouchables (Los intocables / Los intocables de Eliot Ness)
1986: Wise guys (Estos Si Son Amigos)
1984: Body Double (Doble De cuerpo)
1983: Scarface ( Caracortada / El precio del poder)
1981: Blow out (El Sonido De La Muerte / Estallido Mortal / Impacto)
1980: Dressed to Kill (Vestida para matar)
1980: Home Movies (Una familia de locos)
1978: Fury (La furia)
1977: Carrie (Carrie: Extraño Presentimiento)
1976: Obsession (Magnifica Obsesión / Obsesión)
1974: Phantom of the Paradise (El fantasma del paraíso)
1973: Sisters (Siamesas Mortales / Hermanas)
1972: Get to know yor rabbit
1970: Hi, Mom! (Blue Manhattan / Hola, mamá)
1970: Dionysus
1969: The wedding party
1968: Greetings (Saludos)
1968: Murder a la mod

Biografia de David Lynch.

David Keith Lynch (n. Missoula, Montana, Estados Unidos, 20 de enero de 1946) es un director de cine estadounidense. Su actividad artística se extiende asimismo al terreno de la pintura, la música, la fotografía e incluso el diseño mobiliario.

Su amor por el surrealismo queda demostrado en sus inquietantes películas, cuya total comprensión en su mayoría requiere un gran esfuerzo intelectual por parte del espectador. Como ejemplo de ello podemos citar Eraserhead y la serie de televisión Twin Peaks (serie). Posteriormente realizó algunas producciones más accesibles como The Straight Story, aunque manteniendo su firma personal. En la actualidad, algunos de sus proyectos cinematográficos y de animación son sólo accesibles a través de su página Web de pago, DavidLynch.com.

Sus películas tienden a describir pequeñas comunidades de los Estados Unidos, como es el caso de Twin Peaks (film) o Blue Velvet. Lynch siente también predilección por los secretos ocultos de los barrios periféricos de Los Ángeles, retratados en Lost Highway y Mulholland Drive. El sonido en sus películas es de gran importancia y por ello cada banda sonora es trabajada con esmero. El responsable de conseguir ese sonido es el compositor Angelo Badalamenti, colaborador habitual del director, creador entre otras de la fascinante banda sonora de la serie de televisión Twin Peaks (film) o de la inquietante y perturbadora Lost Highway. Reconocido admirador de Jacques Tati, Ingmar Bergman o Werner Herzog, Lynch ha conseguido destacarse como uno de los pocos directores actuales con un estilo personal y constituye un referente ineludible en el cine contemporáneo. Su nuevo film, que le ocupó varios años de rodaje, usando exclusivamente técnicas digitales, se titula INLAND EMPIRE (en mayúsculas) y su estreno se produjo en 2006.


Filmografía
Six Figures Getting Sick (cortometraje) (1966)
The Alphabet (cortometraje) (1968)
The Grandmother (cortometraje) (1970)
The Amputee (cortometraje) (1974)
Eraserhead (Cabeza borradora) (1977)
El hombre elefante (The Elephant Man) (1980)
Dune (1984)
Terciopelo azul (Blue velvet) (1986)
The Cowboy and the Frenchman (1988)
Corazón salvaje (Wild at heart) (1990)
Twin Peaks (serie de televisión) (1990-1991)
Twin Peaks (película europea) (1990)
Twin Peaks: Fuego camina conmigo (1992)
Premonitions Following an Evil Deed (1996)
Lost Highway (Carretera perdida) (1997)
The Straight Story (Una historia verdadera) (1999)
Mulholland Drive (2001)
The Short Films of David Lynch (2002)
Darkend Room (2002)
Rabbits (serie de Internet) (2002)
Inland Empire (2006)

Influencias
Lynch ha declarado a menudo admirar profundamente a los cineastas Stanley Kubrick y Federico Fellini, al escritor Franz Kafka y al pintor Francis Bacon. Sostiene que muchas de las películas de Kubrick se encuentran entre sus preferidas, y que las obras de Kafka y Bacon lo subyugan por su fuerza visual y su conmovedora sensibilidad. Igualmente ha citado al pintor expresionista austriaco Oskar Kokoschka como fuente de inspiración. Lynch se siente desde siempre hechizado por la película The Wizard of Oz ("El mago de Oz"), aunque no con el culto típico norteamericano y a menudo ha hecho clara referencia a la misma en cintas como Wild at Heart, donde crea una gran polémica al parodiarla.

Una influencia temprana en él fue el libro The Art Spirit del artista y profesor norteamericano Robert Henri, del cual afirmó que le ayudó a decidir el curso que tomaría su trabajo plástico. Como Henri, Lynch se trasladó del campo a un entorno urbano para desarrollar su carrera artística. Henri era un pintor realista urbano, que adoptaba la vida en la ciudad como materia principal de su trabajo, lo que imitó Lynch en sus orígenes. Y si la obra de Henri sirvió de puente entre la Norteamérica agrícola del siglo XIX y la urbana del XX, las cintas de Lynch entremezclan la nostalgia feliz de los años 50 con la extrañeza existencial de los 80 y 90.

Tienen gran peso sobre su obra igualmente los cineastas Luis Buñuel, Werner Herzog y Roman Polanski, alguno de los cuales ha reconocido también al propio Lynch como referente.

En lo personal, Lynch ha mantenido relaciones sentimentales con la actriz Isabella Rossellini (a raíz del rodaje de Terciopelo azul), y ha estado casado tres veces: con Peggy Lentz (1967-1974; una hija, Jennifer Chambers Lynch, 1968, ahora directora cinematográfica). Con Mary Fisk (1977-1987) (un hijo, nacido en 1982, Austin Jack Lynch). Y con la editora y productora de sus películas Mary Sweeney (2006; un hijo nacido en 1992, Riley Lynch).

Biografia de Francis Ford Coppola.

Francis Ford Coppola (n. 7 de abril de 1939), es un director de cine estadounidense, también guionista, viñatero, editor de revistas y dueño de una empresa hotelera. Es considerado uno de los más grandes directores de la segunda mitad del siglo XX, siendo El Padrino recurrentemente elegida en encuestas como una de las mejores películas de la historia, y Apocalypse now una de las más grandes películas de culto en el sistema de producción de Hollywood.
Es hijo de Carmine Coppola, hermano de Talia Shire Coppola, padre de Sofia Coppola y tío de Nicolas Cage.
Primeros años (1960 a 1978) [editar]Coppola estudió teatro en la Universidad Hofstra, antes de estudiar en cinematografía en la UCLA. A inicios de los años 1960, empezó su carrera profesional haciendo filmes de bajo presupuesto con Roger Corman y escribiendo guiones.

Primer film
-Su primera película fue "Demencia 13", un largometraje de terror de bajo presupuesto hecho para Corman.

-Segundo film
A Coppola le ofrecieron dirigir un filme basado en la obra musical de Broadway "El valle del arco iris", protagonizada por Petula Clark -en su primer filme americano- y el veterano Fred Astaire, y producida por Jack Warner, quien quedó desconcertado al ver el aspecto hippie de Coppola en aquella época. Adecuando material obsoleto a una época donde los musicales no eran populares, Coppola logró hacer un filme de mediano éxito, su trabajo con Petula Clark contribuyó a que la actriz fuera elegida por primera vez como candidata para el Globo de Oro como mejor actriz.


Primer Oscar
En 1971, Coppola ganó un premio Oscar al mejor guión original junto con Edmund H. Northon por el filme "Patton".

Sin embargo, su renombre como creador de películas empezó con "El Padrino" que co-escribió y dirigió, y con "El Padrino II". Por ambas películas ganó el Oscar a la mejor película.
En 1974, antes de hacer "El Padrino II", Coppola dirige el film "The Conversation", donde narra la historia de un paranoico experto en espiar a personas específicas (protagonizado por Gene Hackman) quien se encuentra involucrado en un plan secreto para realizar un posible asesinato. Esta película fue candidata al Oscar a la mejor película, por lo que Coppola se convirtió en el segundo director en la historia de Hollywood en estrenar dos películas el mismo año y ser candidatas ambas al Oscar a la mejor película el mismo año. Mientras "El Padrino II" ganó este premio, "La conversación" ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1974.
Durante este período también escribió el guión para el remake de 1974, "El Gran Gatsby" y, produjo la innovadora película de George Lucas, "American Graffiti".


Después del éxito de la saga sobre la Familia Corleone, en 1979 después de años realiza "Apocalypse Now", una ambiciosa versión de la novela de Joseph Conrad "El corazón de las tinieblas", ambientada en la Guerra de Vietnam. La producción estuvo marcada por continuos problemas debidos a las difíciles condiciones del rodaje en la selva filipina, además de un infarto de su protagonista Martin Sheen y la apariencia arrogante de Marlon Brando, pero también por el exigente nivel creativo impuesto por su director, quien continuó reescribiendo frenéticamente el guión durante el rodaje. Todo ello alimentó el pánico del estudio que financiaba la película, y una leyenda que le supuso el sobrenombre de Apocalipsis en cualquier momento. El film fue tan admirado como reprobado por los críticos de cine cuando se estrenó, si bien alcanzó una taquilla bastante notable y actualmente es considerado una obra maestra. El filme documental "Hearts of Darkness: A Filmmaker's Apocalypse", dirigido por Eleanor Coppola (la esposa de Francis), Fax Bahr y George Hickenlooper, relata la crónica de las dificultades del equipo de producción. La película gano la palma de oro en Cannes.
Tras ella realiza en 1982 "One from the heart", un musical atípico y experimental que supuso un gran fracaso de taquilla, aunque cosecho un gran aprecio entre un cierto sector de críticos y aficionados, y que, debido a su costosa producción que incluyó la reproducción en estudio de parte de la ciudad de Las Vegas, sumió al entonces joven estudio de Coppola, American Zoetrope, en un largo periodo de ruina.
Retrato de la decadencia suburbana [editar]En 1983 dirige "Rumble fish" y "Outsiders", ambas basadas en novelas de Susan E. Hinton. Pese a pasar casi inadvertida para el público en su estreno, "Rumble fish" constituye una de sus obras más personales e inspiradas, y tiene a gala el descubrimiento de un entonces desconocido grupo de jóvenes actores: Matt Dillon, Mickey Rourke, Diane Lane, Vincent Spano y Nicolas Cage, que posteriormente han tenido una exitosa carrera en el cine comercial.

También ha colaborado con George Lucas como productor ejecutivo en numerosos proyectos desde 1980, entre ellos los filmes experimentales "Koyaanisqatsi", "Powaqqatsi" y "Naqoyqatsi" del director Godfrey Reggio y "Mishima", sobre la vida del escritor japonés Yukio Mishima.

En 1990, filmó "El Padrino III", película con la que concluye la trilogía sobre la Mafia de ascendencia italiana en EEUU. Su hija, Sofia interpretó el papel de Mary, hija de Michael Corleone, tras el abandono de Winona Ryder justo al comienzo del rodaje.

En 1992 rueda "Drácula de Bram Stoker", versión definitiva de la leyenda del conde vampiro, que es más fiel a la novela original de Bram Stoker, dando un vuelco sobre la visión estereotipada de Drácula como un ser maligno, al presentarlo como un condenado, un rebelde que además puede enamorarse.

Filmografía selecta
Youth without youth, (2007, director)
The Rainmaker (1997, director)
Jack (1996, director)
Drácula de Bram Stoker (1992, director)
El Padrino III (1990, director)
Historias de Nueva York (1989, director)
Tucker (1988, director)
Jardines de piedra (1987, director)
Capitán EO (1987, director)
Cotton Club (1984, director)
Peggy Sue got married (1986, director)
The Outsiders (1983, director)
Rumble Fish (1983, director)
One from the Heart (1982, director)
Apocalypse Now (1979, director)
El Padrino II (1974, director)
The conversation (1974, director)
El Padrino (1972, director)
The Rain People (1969, director)
Finian's Rainbow (1968, director)
You're a Big Boy Now (1966, director)
Dementia 13 (1963, director)

Nicole Kidman.

Nicole Kidman (n. Honolulú, Hawái, 20 de junio de 1967) es una actriz estadounidense de padres australianos y tiene doble nacionalidad. Es ganadora de los premios Oscar y Globo de Oro. Tiene una hermana menor, Antonia Kidman, que también es actriz.

Biografía
Nació en Hawái como Nicole Mary Kidman. Hasta los cuatro años vivió en Estados Unidos, cuando su familia se trasladó a Australia. Su padre investigaba sobre el cáncer de mama en la ciudad de Washington y era al mismo tiempo profesor universitario en Sidney, Australia.
Kidman había comenzado a tomar clases de ballet a la edad de tres años y en Australia ingresó en una escuela de teatro para jóvenes. Su padre se preocupaba de que ella y su hermana menor tuviesen una buena condición física, por lo que les hacía realizar cada mañana ejercicios de gimnasia.
A los 16 años (en 1983) Kidman inició su carrera de actriz cuando intervino en una película ambientada en Navidad, (Bush Christmas), que sigue proyectándose frecuentemente en la época navideña. Al enfermar su madre de cáncer de mama, Nicole Kidman abandonó sus estudios escolares, pero una vez que su madre se recuperó, reanudó su carrera de actriz. A lo largo de los años ochenta apareció en numerosas películas y series de televisión australianas.
En 1988 se dio a conocer en Europa y en Estados Unidos con la película Calma total, rodada todavía en Australia, y co-protagonizada por el actor Sam Neill, también australiano y con su siguiente película, ya estadounidense, Días de trueno, en la que interpretó un papel junto a Tom Cruise. Al año siguiente se casó con Tom Cruise en la noche de Navidad, en un lugar de las Montañas Rocosas, en el estado de Colorado. Inicialmente la boda se mantuvo en secreto. La pareja adoptó dos hijos y vivió entre Los Ángeles, Nueva York y Colorado.
Kidman había alcanzado ya fama, y demostró sus dotes de interpretación y su elegancia en las siguientes películas, en las que actuó con actores tan populares como Bruce Willis y Dustin Hoffman. En 1999 hizo junto con su marido Eyes Wide Shut (Ojos bien cerrados), la que sería la última película del director Stanley Kubrick, y que tuvo una gran resonancia.
Unos años después, en 2001, Nicole Kidman se divorció de Tom Cruise de manera amistosa. Según algunas fuentes la razón principal fue que Cruise insistió en educar a sus hijos según las creencias de la Cienciología (creada por Ron Hubbard), mientras que Kidman quería que fuesen educados según la tradición católica.
El mayor reconocimiento profesional hasta entonces lo obtuvo Kidman en 2002, cuando fue nominada al Oscar como mejor actriz principal por su papel en Moulin Rouge. Con la película de suspenso Los otros, dirigida por el director español Alejandro Amenábar, rodada en ese mismo año, también cosechó un éxito importante. Tuvo que renunciar a intervenir en la película Panic Room debido a una lesión en la rodilla contraída durante el rodaje de Moulin Rouge, pero en el año 2002 ganó el Oscar como mejor actriz principal por su interpretación del personaje de la escritora Virginia Woolf en Las horas (The Hours).
El 25 de junio de 2006 contrae matrimonio con el cantante de música country, Keith Urban.


Filmografía
Need (2008)
Australia (2008)
La brújula dorada (2007)
Margot y la boda (2007)
Invasión (2007)
Fur (2006)
Happy Feet (2006)
Embrujada (Bewitched) (2005)
La intérprete (The interpreter) (2005)
Las mujeres perfectas (The Stepford Wives) (2004)
Reencarnación (Birth) (2004)
Dogville (2003)
La mancha humana (The human Stain) (2003)
Cold Mountain (2003)
Las horas (The Hours) (2002)
Oscura seducción (Birthday Girl) (2001)
Los otros (The Others) (2001)
Moulin Rouge! (2001)
Eyes Wide Shut (1999)
Prácticamente magia (Practical Magic) (1998)
El pacificador (The Peacemaker) (1997)
Retrato de una dama (The Portrait of a Lady) (1996)
The Leading Man (1996)
Todo por un sueño (To Die For) (1995)
Batman Forever (1995)
Mi vida (My life)(1993)
Malicia (Malice)(1993)
Un horizonte muy lejano (Far and Away) (1992)
Billy Bathgate (1991)
Flirting (1991)
Días de trueno (Days Of Thunder) (1990)
Calma total (Dead Calm) (1988)
Emerald City (1988)
The Bit Part (1987)
Watch the Shadows (1986)
Windrider (1986)
Archer's Adventure (1985)
Wills & Burke (1985)
Los bicivoladores (BMX Bandits) (1983)
Bush Christmas (1983)

Premios
Oscars
2002 Oscar a la mejor actriz Las horas.

Globos de Oro
2003 Globo de Oro a la mejor actriz - Las horas.
2002 Globo de Oro a la mejor actriz - Moulin Rouge.
1996 Globo de Oro a la mejor actriz - Todo por un sueño.
Premios Goya
2001 Mejor interpretación femenina protagonista Los otros Nominada.

DEDICADO A MAMEN.

Biografia de Hans Zimmer.

Hans Florian Zimmer (Fráncfort, Hesse; 12 de septiembre de 1957); compositor alemán, es uno de los compositores de bandas sonoras más reconocidos en Hollywood. Pionero en la utilización de el uso de computadoras, tecnología de sintetizadores digitales y teclados junto a orquestas sinfonicas tradicionales, en melodias de cine y televisión.
De pequeño recibió clases de piano, mas tarde se trasladó a Londres donde realizó sus estudios entrando en el mundo de la música durante una larga colaboración con su mentor Stanley Myers. A comienzos de los ochenta se inmersó en el mundo del synthpop y new wave, formando The Camera Club con Bruce Woolley, de The Buggles, y Thomas Dolby, y después, Helden, al lado de Warren Cann, baterista de Ultravox, y Zaine Griff. En 1986 realizó su primer trabajo autónomo en Vardo, aunque siguió colaborando con Myers hasta 1988.
En 1988 se presenta Rain Man dirigida por Barry Levinson y acompañada con el trabajo musical de Hans Zimmer. Con esto, el mundo cinematográfico fija su atención en el joven compositor que escribe melodías muy rítmicas, con temas muy identificativos y totalmente acoplables en una película.
Tras el éxito de Rain Man, Hans Zimmer se integra en Hollywood y realiza dos trabajos muy importantes: Black Rain y Driving Miss Daisy.
1994 Será recordado por un sólo disco, The Lion King (El Rey León) que le mereció el premio Oscar a la mejor banda sonora.
En 1998 se realiza una ambiciosa producción animada de la DreamWorks, Prince of Egypt (El príncipe de Egipto) donde realizó un trabajo genial. Las canciones muestran claramente la mano de Zimmer.
Se consagra en 2000 con la autoría de La ruta hacia El Dorado y Gladiator (Gladiator) que se convierte en un éxito taquillero y en uno de sus trabajos máximos.
En los últimos años, Zimmer nos ha maravillado con la música de "El Último Samurái", "Batman Begins" (en colaboración con otro gran compositor, James Newton Howard) y las dos secuelas de "Piratas del Caribe", en las cuales ha ido perfeccionando progresivamente el gran trabajo de su predecesor Klaus Badelt.
Sin duda, podemos decir que Hans Zimmer es uno de los grandes compositores de nuestros tiempos y, por supuesto, uno de los nombres que pasará a la historia del cine.

Filmografía parcial
-2008
The Dark Knight con James Newton Howard
-2007
Los Simpson; La Película con Dave Stewart
Piratas del Caribe 3: En el Fin del Mundo
-2006
The Holiday
Piratas del Caribe 2: El cofre del hombre muerto
El código Da Vinci
-2005
El hombre del tiempo
Batman Begins con James Newton Howard
Madagascar
-2004
Spanglish
El Espantatiburones
Thunderbirds
El Rey Arturo
-2003
El Último Samurai
Lagrimas del sol con Bruce Willis
Piratas del Caribe: La maldicion de la perla negra
-2002
La Señal
Spirit: El Corcel Indomable
-2001
[[[[Black Hawk Derribado][1]]]]
Pearl Harbor
Hannibal
-2000
Misión Imposible II
Gladiador
El Dorado
-1998
Moisés: El príncipe de Egipto
La Delgada Linea Roja
-1997
Scream 2
El Pacificador
-1996
La Roca
Flecha Rota
-1994
El rey león
-1993
La casa de los espíritus
Amor a quemarropa
-1992
Toys
-1991
Llamaradas
Thelma y Louise
-1990
Días de Trueno
-1989
Twister
-1988
Secreto en llamas
Rain Man
Un mundo aparte
-1989
Mi hermosa lavandería

VIDEOS SOBRE TRIBUTOS A SU MÚSICA.

Biografia Martin Scorsese

Martin Marcantonio Luciano Scorsese (n. 17 de noviembre, 1942) es un director, guionista y productor de cine estadounidense, ganador de un Premio de la Academia, dos Globos de Oro, dos BAFTA, y del Directors Guild of America, además de ser uno de los fundadores de World Cinema Foundation.

Las obras de Scorsese abordan principalmente los temas de la vida ítalo-estadounidense, y los conceptos de culpa y redención católicos romanos, el machismo, y la violencia and the endémica de la sociedad estadounidense. Scorsese es ampliamente considerado como uno de los directores más influyentes de su generación. Ganó un MFA por su obra como director de cine otorgado por la prestigiosa Escuela de Cine de NYU. Ganó el Premio de la Academia como Mejor director por su película The departed, la cual también ganó el Mejor película en la versión 79 de los Premios de la Academia en celebrados el 2007.

Biografía
Originalmente, Scorsese planeaba ordenarse como sacerdote, lo que se nota en muchas de sus películas que reflejan una crianza católica. Fue atraído hacia el cine a edad temprana, y admite estar "obsesionado" con las películas; obsesión que se aprecia en el documental de 1995 A Personal Journey with Martin Scorsese Through American Movies (Un viaje personal con Martin Scorsese a través de las películas de Estados Unidos). Siendo un niño enfermizo, pasaba mucho tiempo en recuperación en casa, observando lo que ocurría en la calle, desde su ventana. Gran parte de su infancia la pasó en cines, lo cual contribuyó a su determinación en ser cineasta.


Carrera
Décadas de 1960 y 1970 [editar]Martin Scorsese pertenecía a una familia de la clase trabajadora; su padre era planchador de pantalones. Sus padres fueron el tema de su documental Italoamericano, y tuvieron numerosas apariciones en las películas de su hijo como actores secundarios.

Durante varios años, su madre trabajó como la proveedora oficial de comida en todas las producciones de Scorsese, mientras su padre trabajaba en el departamento de vestuario. En la película Goodfellas (Uno de los nuestros), Scorsese dijo que nadie planchaba cuellos como su padre lo hacía.

Scorsese asistió a la Universidad de Nueva York, obteniendo una licenciatura en la escuela de cine en 1964, y una maestría en la misma disciplina en 1966. Realizó su primer largometraje (Who´s knocking at my door?, 1969) con su compañero de estudios Harvey Keitel, y a partir de entonces formó parte de la "banda" de cineastas de la década de 1970: Francis Ford Coppola, Brian De Palma, George Lucas, y Steven Spielberg. De Palma fue quien le presentó a Robert De Niro, lo cual resultó en una cercana amistad que los llevó a compartir muchos proyectos.

En este periodo, Scorsese también trabajó como editor de la película Woodstock.

En 1972, Scorsese dirigió Boxcar Bertha por encargo de productor de películas de serie B Roger Corman, quien había ayudado a muchos directores a comenzar sus carreras, entre otros Francis Ford Coppola, James Cameron y John Sayles. Con Bertha, Scorsese aprendió a hacer filmes rápidamente y de forma económica, lo cual lo preparó para su primera película con De Niro, Mean Streets (Malas Calles). La película resultó un éxito que lanzó a Scorsese y De Niro al estrellato. Entonces, la actriz Ellen Burstyn escogió a Scorsese para dirigirla en la película Alice Doesn't Live Here Anymore (Alicia ya no vive aquí), de 1974. Burstyn ganó un Oscar a la mejor actriz por esta película.

A continuación, Scorsese exploraría sus raíces étnicas en el documental Italianamerican, sobre sus padres Charles y Catherine Scorsese.

Dos años después, Scorsese asombró al mundo con Taxi Driver. La película tenía interpretaciones brillantes de De Niro y Jodie Foster, en uno de los más violentos y sombríos retratos de la vida neoyorquina plasmado en cine. Taxi Driver ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes, y recibió cuatro nominaciones al Oscar, incluyendo la correspondiente a mejor película.

Algo que hacía única a la película, era el uso de las tomas "Punto de vista", que se han convertido en una constante en las películas de Scorsese.

El éxito de Taxi Driver, animó a Scorsese a proseguir con su primera película de alto presupuesto: New York, New York. Este tributo musical a la ciudad natal de Scorsese, fue un rotundo fracaso de taquilla. Para entonces, Scorsese ya había desarrollado una grave adicción a la cocaína. Entre su adicción y la depresión provocada por el último filme, Scorsese aún encontró la creatividad suficiente para hacer The Last Waltz (El último vals, 1978), un documental bellamente fotografiado sobre un concierto de The Band. Ese mismo año, apareció otro documental dirigido por Scorsese, titulado American Boy.


Década de 1980 [editar]Convencido de que estaba haciendo su última película, Scorsese invirtió todas sus energías en Raging bull (Toro Salvaje). La película se estrenó en 1980, y es considerada como una obra maestra, además de haber sido votada la mejor película de la década de 1980, por la revista británica Sight and Sound. Como era de esperar, la película recibió varias nominaciones al premio Oscar, incluyendo Mejor Actor (Robert de Niro), y la primera nominación para Scorsese como Mejor Director. De Niro ganó su estatuilla, pero Robert Redford se llevó ese año el Oscar al mejor director.

The Last Temptation of Christ (La última tentación de Cristo, 1988) está basada en el libro de Nikos Kazantzakis "La última tentación" (1951). Originalmente, la película iba a ser producida bajo el sello Paramount Studios en 1983 con Aidan Quinn en el papel de Jesús y Sting en el de Poncio Pilatos. Sin embargo, Paramount se retiró días antes de comenzar la filmación, argumentando presiones de grupos religiosos, por lo que el proyecto tuvo que esperar casi cinco años.

Una vez pasado el colapso del proyecto, Scorsese notó que el mundo del Hollywood de la década de 1980 estaba siendo cada vez más comercial, y los filmes personales y altamente estilizados que él y sus colegas produjeron una década antes, no disfrutarían del mismo recibimiento. Así, Scorsese decidió emprender un nuevo camino con su carrera. Con After hours (¡Jo, qué noche!, 1985) Scorsese efectuó un cambio estético encaminándose hacia un estilo prácticamente "underground". La película fue hecha con un presupuesto extremadamente austero, de noche y en localizaciones del barrio del SoHo en Manhattan.

Después, Scorsese dirigió el vídeoclip Bad (1987) para Michael Jackson. En 1986, dirigió The color of money (El color del dinero), protagonizada por Paul Newman, Tom Cruise y Mary Elizabeth Mastrantonio. El filme es una secuela de The hustler (El Buscavidas, de Robert Rossen), también protagonizada por Newman. Este último ganó el Oscar al Mejor Actor de 1986.

Con el dinero obtenido por El color del dinero, Scorsese pudo filmar The last temptation of Christ en 1987, con un presupuesto modesto, pues Scorsese sabía que el filme no iba a arrasar en las taquillas. Sin embargo, Scorsese no anticipó el furor y la controversia que iban a desatarse cuando el filme fue estrenado al año siguiente. Las protestas en todo el mundo llegaron a la quema de varias salas, y a su prohibición durante más de quince años en algunos países. Por este filme, Scorsese recibió su siguiente nominación al Oscar al Mejor Director; nominación que tampoco ganó. Sin embargo, el respaldo que varias figuras del mundo político le dieron a esta película le dio a Scorsese el ímpetu para su siguiente trabajo: Goodfellas (Uno de los Nuestros o Buenos Muchachos, 1990).


1990 a la fecha [editar]Con Goodfellas Scorsese volvió a su nativa Nueva York, y se reencontró con Robert De Niro y Joe Pesci. Esta película sobre la vida de un gángster ha sido llamada la mejor película de mafiosos desde El Padrino, y le dio a Scorsese su tercera nominación al Oscar como Mejor Director; Oscar que perdió, esta vez frente al novato Kevin Costner por "Bailando con lobos".

Scorsese prosiguió haciendo un remake de la película de 1962 Cape Fear (El Cabo del Terror o Cabo de Miedo), lo cual probó que Scorsese podía ser un éxito de taquilla en Hollywood. Los siguientes años los pasó haciendo películas de bajo éxito pero aclamadas por la crítica (The Age of Innocence, Kundun), e involucrándose en apoyar los proyectos de otros cineastas, como Quiz Show, Search and Destroy, Mad Dog and Glory y Clockers. Scorsese dirigió en ese periodo la película Casino, y volvió al mundo de Taxi Driver en 1999, dirigiendo Bringing Out The Dead(Al límite).

En 1990, Martin Scorsese actuó en el papel de Vincent van Gogh en el filme Dreams (Sueños) de Akira Kurosawa. En 1999, trabajó en un documental llamado Il Mio Viaggio in Italia (Mi viaje en Italia).


Scorsese junto a Leonardo DiCaprio y Cameron Diaz.En 2002, Scorsese dirigió Gangs of New York (Bandas de Nueva York), la cual hasta ese entonces había sido su empresa más arriesgada, con presupuesto superior a los cien millones de dólares; el presupuesto más alto en la carrera de Scorsese. La reacción de la crítica hacia la película, fue moderadamente positiva, y, aunque no fue un gran éxito de taquilla, el filme tampoco fue un fracaso. Además, recibió diez nominaciones al Oscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Director, y Mejor Actor (para Daniel Day-Lewis). Scorsese perdió nuevamente, esta vez frente a Roman Polanski.

El siguiente filme de Scorsese fue The Aviator (El aviador), película biográfica del excéntrico multimillonario y pionero de la aviación Howard Hughes. El filme fue lanzado a finales de 2004, con aclamación de la crítica. Ganó tres Globos de Oro, incluyendo Mejor Película Dramática. En la entrega de los premios Oscar, El aviador fue la película con más nominaciones (once, incluyendo Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor para Leonardo Di Caprio). Esta vez, Scorsese también salió con las manos vacías, al ver a Clint Eastwood llevarse el Oscar al Mejor Director y a la Mejor Película.

Scorsese es Presidente de Film Foundation, una fundación sin fines de lucro dedicada a la preservación del material fílmico en deterioro.

El 5 de enero de 2005, Scorsese recibió el reconocimiento Légion d'honneur de parte del gobierno de Francia, por sus contribuciones al cine.

Después de presentar su documental sobre Bob Dylan en 2005, sorprendió a todos en 2006 con su galardonada pelicula Infiltrados, con la cual ha cosechado numerosos elogios. En esta cinta policial se reunió nuevamente con Leonardo Di Caprio y, por primera vez, con Jack Nicholson. El 25 de febrero de 2007, la academia de las artes de Hollywood le entregaba el Oscar al mejor director (y otros 3 Oscars para esta película) con lo que se hacía justicia con uno de los más grandes directores de los EE.UU., que había sido nominado 8 veces y nunca había ganado, ni como director ni como guionista.

Para el año 2007 tiene planeado estrenar un documental acerca de los Rolling Stones.


Vida privada
Scorsese ha estado casado con Helen Morris desde 1999; ella es su quinta esposa. Tienen una hija, Francesca, quien aparece en The Departed y en The Aviator.

Tiene una hija, Catherine, de su primer matrimonio con Laraine Brennan, otra hija, Domenica Cameron-Scorsese, que es actriz, de su segundo matrimonio, con Julia Cameron. Scorsese también estuvo casado con Isabella Rossellini desde 1979 hasta su divorcio en 1982. También contrajo matrimonio con Barbara De Fina en 1985, el cual terminó en divorcio.

Usualmente reside en la Ciudad de Nueva York.


Filmografía selecta
Director
The departed, (Infiltrados) (2006)
No Direction Home: Bob Dylan - A Martin Scorsese Picture (2005)
The Aviator (El aviador), (2004)
Gangs of New York (Pandillas de Nueva York), (2002)
Bringing Out the Dead (Al límite), (1999)
Il Mio Viaggio in Italia (1999)
Kundun (1997)
Casino (1995)
The Age of Innocence (La edad de la inocencia) (1993)
Cape Fear (El cabo del miedo), (1991)
Goodfellas (Uno de los nuestros) (1990)
New York Stories (Historias de Nueva York, primer capítulo) (1989)
The Last Temptation of Christ (La última tentación de Cristo), (1988)
The Color of Money (El color del dinero), (1986)
After Hours (¡Jo, qué noche!), (1985)
The King of Comedy (El rey de la comedia), (1983)
Raging Bull (Toro Salvaje), (1980)
The last waltz (El último vals), (1978)
New York, New York (1977)
Taxi driver (1976)
Alice Doesn't Live Here Anymore (Alicia ya no vive aquí), (1974)
Italianamerican (1974)
Mean Streets (Malas calles), (1973)
Boxcar Bertha (1972)
Street scenes (1970)
Who's that knocking at my door? (1967)
The Big Shave (cortometraje) (1967)

Actor
Shark Tale (El cazatiburones) (2004)
Gangs of New York (2002)
Quiz Show (El dilema), (1994)
Dreams (1990)
Guilty by Suspicion (1990)
Round Midnight (1986)
Taxi Driver(1976)

Premios Oscars Año Categoría Película Resultado
2007 Mejor Director Infiltrados Ganador
2004 Mejor Director El aviador Candidato
2002 Mejor Director Gangs of New York Candidato
1993 Mejor guión adaptado La edad de la inocencia Candidato
1990 Mejor Director Uno de los nuestros Candidato
1990 Mejor guión adaptado Uno de los nuestros Candidato
1988 Mejor Director La última tentación de Cristo Candidato
1980 Mejor Director Toro Salvaje Candidato


Globos de Oro Año Categoría Película Resultado
2007 Mejor Director Infiltrados Ganador
2004 Mejor Director El aviador Candidato
2002 Mejor Director Gangs of New York Ganador
1995 Mejor Director Casino Candidato
1993 Mejor Director La edad de la inocencia Candidato
1990 Mejor Director Uno de los nuestros Candidato
1980 Mejor Director Toro Salvaje Candidato

Biografia de Ennio Morricone.

Ennio Morricone (Roma, Italia, 10 de noviembre de 1928 - ), compositor italiano de música.
De pequeño fue compañero de colegio de Sergio Leone con el que más tarde colaboraría en casi todas sus películas hasta la muerte de éste. Tras el colegio ingresó en el Conservatorio de Santa Cecilia de Roma estudiando trompeta y composición. Su carrera cinematográfica empezó en los años 60, estando aún en activo, lo que le convierte en uno de los compositores actuales más prolíficos, con unos 500 trabajos aproximadamente en su haber.

Ha sido muy criticado por unos y muy aclamado por otros, debido a su atípica música, pero ante todo ha sido valiente integrando intrumentos poco comunes entre las grandes orquestas. Después, en el año 1964 tocó en el grupo de improvisación Nuova Consonanza fundado por Franco Evangelisti.

Tampoco ha pasado desapercibida su colaboración con grandes directores como Pier Paolo Pasolini, Bernardo Bertolucci, Gillo Pontecorvo, Brian de Palma, Marco Bellocchio o incluso Pedro Almodóvar con Átame.

Es uno de los más conocidos de los compositores cinematográficos, gracias sobre todo a la música de los spaghetti western, pero también gracias a las bellas melodías de Días de cielo, La misión o Cinema Paradiso.

También ha compuesto obras para series de televisión, siendo las más conocidas El secreto del Sahara, La Piovra, Marco Polo o Moisés.

Ha sido nominado al Oscar en 5 ocasiones: Días del cielo (1978), La misión (1986), Los intocables de Elliot Ness (1987), Bugsy (1991), Malena (2000), sin conseguir ninguno. En la 79ª Ceremonia de entrega de los Premios Oscar se le entregó su primera estatuilla como premio a toda su carrera.

Compuso la marcha de la Copa Mundial de FIFA Argentina 1978.


Filmografia

1961 - El federal
1964 - Por un puñado de dólares
1964 - Antes de la revolución (Con G. Paoli)
1965 - El octavo hombre
1965 - La muerte tenía un precio
1965 - La batalla de Argel
1965 - Las manos en el bolsillo
1965 - Una pistola para Ringo
1966 - Las brujas (Con Piero Piccioni)
1966 - El bueno, el feo y el malo
1966 - Pajaritos y pajarracos
1966 - Sin rival
1967 - Los cañones de San Sebastián
1967 - Yo soy la revolución
1967 - El aventurero
1967 - Cara a cara
1968 - Teorema
1968 - Los supervivientes
1968 - Hasta que llegó su hora
1968 - Galileo
1968 - Superación
1969 - Dos mulas y una mujer
1969 - El clan de los sicilianos
1969 - Guapa, ardiente y peligrosa
1970 - Los compañeros
1971 - Sacco y Vanzetti
1971 - La tienda roja
1971 - ¡Agáchate, maldito!
1971 - El Decamerón
1971 - El cerebro del mal
1971 - Días de angustias
1971 - Jaque mate siciliano
1972 - Los Cuentos de Canterbury
1972 - Quien la ha visto morir
1972 - El atentado
1972 - El retorno de Clint el solitario
1972 - La tarántula del vientre negro
1973 - Mi nombre es ninguno
1973 - Sumario sangriento de la pequeña Estefanía
1973 - ¿Qué no importa la revolución?
1973 - Revólver
1973 - Barba azul
1973 - El serpiente
1974 - Las mil y una noches
1974 - El secreto
1974 - El anticristo
1975 - Saló o los 120 días de Sodoma
1975 - Leonor
1975 - Pánico en la ciudad
1976 - El puente sobre Estambul
1976 - Novecento
1978 - Días del cielo (candidatura al oscar)
1978 - El amargo deseo de la propiedad
1981 - Exorcista II: El hereje
1981 - El profesional
1982 - Perro blanco
1982 - La cosa
1983 - The Scarlet and the Black
1984 - Érase una vez en América
1985 - El guerrero rojo
1986 - La misión (candidatura al oscar)
1987 - Los intocables de Elliot Ness (candidatura al oscar)
1987 - Frenético
1989 - Cinema Paradiso
1989 - Corazones de hierro
1990 - Crónica a tres columnas
1990 - ¡Átame!
1991 - El gran hombre
1991 - Bugsy (candidatura al oscar)
1991 - Hamlet. El honor de la venganza
1992 - La villa de los viernes
1992 - El clan de los irlandeses
1992 - La ciudad de la alegría
1993 - En la línea de fuego
1993 - La escolta
1994 - Lobo
1994 - Un asunto de amor
1994 - Acoso
1994 - Una pura formalidad
1994 - La noche y el momento
1995 - Sostiene Pereira
1995 - El hombre de las estrellas
1997 - Lolita (1997)
1998 - Giro al infierno
1998 - La leyenda del pianista en el océano
2000 - Vatel
2000 - Misión a Marte
2000 - Malena (candidatura al oscar)
2002 - El juego de Ripley
2002 - El Cónsul Perlasca
2003 - Musashi

Un gran maestro de las bandas sonoras al que no podia dejar de poner en Cinemaspop.
En la última gala de los oscars se le entrego el Oscar honorifico de la mano de Clint Eastwood, a toda una carrera de dedicacion al mundo de la música en las peliculas.

Biografia Robert Rodriguez

Robert Anthony Rodriguez es un director de cine estadounidense.(Nació en 1968 en San Antonio, Texas, en el seno de una familia de inmigrantes mexicanos. Es el tercero de los diez hijos de la familia. Después de acabar el instituto estudió en la Universidad de Texas. Esta casado con Elizabeth Avellán (1990 – Presente)

Su carrera en Hollywood comenzó gracias a su primera película, titulada "El mariachi".

Primeros Años
Rodriguez escribió el guión de su primer largometraje mientras permanecía internado en las instalaciones de unos laboratorios de investigación como paciente de un experimento clínico remunerado. Este dinero sirvió para pagar el rodaje de su película. Planeó recuperar el dinero vendiendo la película en el mercado del vídeo doméstico mexicano. La película era El Mariachi (1993), que Rodríguez escribió, dirigió, fotografió, montó y grabó el sonido con un presupuesto de 7.000 dólares. Mientras que seguía investigando la forma de vender la película en el mercado del vídeo, Rodriguez fichó con un influyente agente de ICM. Fue entonces cuando Columbia Pictures compró los derechos y firmó un contrato de dirección de dos años con Rodríguez. El Mariachi terminó ganando el ansiado Premio del Público a la Mejor Película Dramática del Festival de Cine de Sundance, y también fue galardonada en los festivales de Berlín, Munich, Edimburgo, Deauville y Yubari (Japón). El Mariachi se convirtió en la película de menor presupuesto estrenada por un gran estudio y en la primera cinta americana estrenada en español. Rodríguez escribió sobre estas experiencias en Rebel Without a Crew, publicado por Dutton Press.


Carrera
Más tarde, Rodríguez escribió, produjo, dirigió y montó Desperado (1995), una secuela de El Mariachi, para Columbia Pictures. Esta película dio a conocer a Salma Hayek al público norteamericano, así como a Antonio Banderas en un papel protagonista. Rodríguez también escribió, dirigió y montó The Misbehavers (1995), que también protagonizó Antonio Banderas y que constituye una de las cuatro partes de Four Rooms, de Miramax Films. Más tarde, formó equipo con Quentin Tarantino en la atrevida Abierto hasta el amanecer, de Dimension Films. Rodríguez dirigió un reparto que incluía al propio Tarantino, que se encargó de escribir el guión. El siguiente proyecto como realizador de Rodríguez fue The Faculty (1998), de Dimension Films, protagonizada por Josh Hartnett, Elijah Wood y Jordana Brewster.

En 2001, Robert pudo hacer realidad uno de los sueños de su vida y creó una película de aventuras para toda la familia. Spy Kids fue aclamada por la crítica y obtuvo un enorme éxito de taquilla, con unos ingresos que superaron los 100 millones de dólares sólo en Estados Unidos. Después le siguió Spy Kids 2, que se hizo valedora de excelentes críticas y Spy Kids 3-D: Game Over, que se estrenó en Estados Unidos el 25 de julio de 2003.

La tercera entrega de la trilogía El Mariachi, El mexicano rodada, montada y producida por él mismo, que se estrenó en Estados Unidos el 12 de septiembre de 2003. Además, participó como guionista.


Filmografía
-Planet terror (2007) Director, Fotografía, Guionista, Montador, Producción
-Las aventuras de Shark Boy y Lava Girl en 3D (2005) Director, Guionista
-Sin City (2005) Director, Guionista, Producción
-Spy Kids 3 (2004) Director, Guionista, Cinemat/Montador, Musica, Producción
-Kill Bill Vol 2 (2004) Musica
-Spy kids 2: la isla de los sueños perdidos (2003) Director, Fotografía, Guionista, Cinemat/Montador, Musica
-El mexicano (Once upon a time in Mexico) (2003) Director, Fotografía, Guionista, Cinemat/Montador, Producción
-Spy Kids (2001) Director, Guionista, Musica
-Abierto hasta el amanecer 3: la hija del vampiro (1999) Productores ejecutivos, Productores ejecutivos
-The Faculty (1999) Director
-Full Tilt Boogie (1997) actor
-Abierto hasta el amanecer (1996) Director
-Desperado (1995) Director, Guionista, Producción
-Four Rooms (1995) Director, Guionista
-El Indomable (1994) Director, Guionista
-El mariachi' (1992) Director, Fotografía, Guionista

Biografia de Sergio Leone

Sergio Leone (Roma,3 de enero de 1929 - Roma, 30 de abril de 1989), director de cine italiano, conocido por sus spaghetti western.
Hijo de un director de cine, Vincenzo Leone, pero que, a veces, filmaba con el seudónimo de Roberto Roberti. Su padre fue director de cine hasta que en 1943 Mussolini le solicitó una opinión sobre un guión que había escrito y desgraciadamente Vincenzo fue sincero, y a partir de aquí nunca volvería a dirigir.
Sergio aún muy joven entra en la industria del cine y con 20 años es actor y asistente de dirección de El ladrón de bicicletas (1948) de Vittorio de Sica. Después estaría en grandes producciones estadounidenses rodadas en Europa. Entre ellas Quo Vadis (1951) de Mervyn Le Roy, Helena de Troya (1955) de Robert Wise, Ben-Hur (1959) de William Wyler o Historia de una monja (1959) de Fred Zinnemann.
En 1959 le dieron la oportunidad de sustituir, por enfermedad, al director Mario Bonnard durante el rodaje de Los últimos días de Pompeya, aunque no pudo firmar la película.
Su primera película oficial fue El coloso de Rodas (1960) y dos años más tarde sustituiría, de nuevo, a un director, Robert Aldrich, en Sodoma y Gomorra.
A partir de aquí comienzan sus obras más personales, que se inicia con la famosa trilogía western, también conocida como Trilogía del dólar, en coproducción con varios países europeos y rodada en la región de Tabernas, Almería (España). La trilogía obtuvo un inesperado gran éxito, conduciendo el western a su último período cinematográfico, el llamado western crepuscular, género muy cultivado en el cine de los 70, además de aportar dos nuevos talentos al medio, el compositor Morricone, amigo desde la infancia del director, y el actor Clint Eastwood, desconocido hasta entonces, al que el director contrata entre un grupo de actores. Como anécdota curiosa, destacar que Por un puñado de dólares tuvo ciertos problemas legales al estar inspirada en una película anterior de Akira Kurosawa titulada Yojimbo (1961).
Tras esta trilogía no deja la temática del western y filma una de sus obras maestras, Hasta que llegó su hora, un western crepuscular rodado en Cinecittà, Almería y en los mismos escenarios estadounidenses en los que rodó la mayor parte de sus películas su admirado John Ford.
Tras un período de tiempo más dilatado, vuelve al cine, casi por obligación, con ¡Agáchate, maldito!, que tiene menos éxito que sus películas precedentes y basada en la revolución méxicana. Esta película la dirige a última hora debido a problemas con el director elegido. Por último, dirige la que muchos consideran su obra maestra, Érase una vez en América, un "western moderno" basada en la época de los gángsters. En Europa tuvo gran éxito a pesar de las cuatro horas de duración, pero en EEUU se ofrece una versión recortada a casi dos horas, además de alterar su montaje (la historia fue contada linealmente y no como en la original en que se utilizan flashback).
Sergio tuvo siempre a su lado a un amigo de la infancia, que hizo más grande aún sus películas, Ennio Morricone.
Sergio Leone fallece en 1989 cuando estaba preparando la película Leningrado.

Filmografía de Sergio Leone
1984 - Érase una vez en América.
1971 - ¡Agáchate, maldito!
1968 - Hasta que llegó su hora.
1966 - El bueno, el feo y el malo.
1965 - La muerte tenía un precio.
1964 - Por un puñado de dólares. Basada en la película Yojimbo (El mercenario) de Akira Kurosawa
1962 - Sodoma y Gomorra. (Sustituye a Robert Aldrich pero en créditos aparece como director de segunda unidad)
1961 - El Coloso de Rodas.
1959 - Los últimos días de Pompeya. (Sustituye por enfermedad a Mario Bonnard pero no firma)
1957 - Taxi... Signore? Cortometraje